Die Kommentare sind bearbeitete Auszüge aus unserem Podcast, den Sie unten in voller Länge anhören können.
Was glauben Sie, warum Sie eine Leidenschaft für Musik und das Dirigieren entwickelt haben?
Mei-Ann Chen: Ich bin mit musikbegeisterten Eltern aufgewachsen, die ihren Traum von kostenlosen Heimkonzerten, zur Aufgabe meiner älteren Schwester und mir gemacht haben. Meine Schwester lernte Geige spielen und wollte dann lieber in ihrem eigenen Raum kreativ sein und sich mit anderen austauschen, wenn sie dazu bereit war.
Als ich das erste Mal in einem Orchester spielte, rannte ich nach Hause. Ich sagte zu meinen Eltern: "Ich möchte das größte Instrument im Raum spielen." Sie wussten nicht, wo sie Lehrer [für das Dirigieren] finden konnten, und es war nichts, was man lernen kann. Ich war ein hartnäckiges Mädchen, das kein Nein akzeptierte. Ich kam zur Probe, hatte meine Geigenstimme komplett auswendig gelernt und starrte den Dirigenten an, um durch Beobachtung zu lernen.
Haben Sie jemals gedacht: "Musik ist etwas, das ich liebe, aber es ist vielleicht nicht das, was ich für den Rest meines Lebens tun möchte"?
Mei-Ann: Im Alter von 10 Jahren wusste ich, dass es meine Berufung ist, Dirigentin zu werden. Ich dachte, ich könnte durch Körpersprache kommunizieren, und das war etwas, das mich einfach faszinierte.
Ein Jugendorchester aus Amerika kam nach Taiwan, und der Dirigent, Benjamin Zander, hörte mich spielen. Er sagte zu meinen Eltern: "Wenn ihr wollt, dass eure Tochter in Boston Geige studiert, werde ich ihr ein Stipendium besorgen." Und so habe ich meine Eltern dazu gebracht, mir ein Flugticket zu geben, um endlich Dirigieren zu lernen.
Was macht einen guten Dirigenten aus?
Mei-Ann: Was mich zum Dirigieren hingezogen hat, war der körperliche Aspekt. Ich hörte Musik, und mein Körper wollte sich bewegen. Das war eine instinktive Reaktion, aber später wurde mir klar, dass zu einem guten Dirigenten viel mehr gehört. Instrumente sind Lebewesen, die unterschiedliche Stimmungen und Gefühle mit sich bringen, und wenn man 80 bis 100 Leute in einem Raum versammelt und versucht, eine einheitliche Interpretation zu schaffen, ist das auch eine Lektion in Psychologie. Wie schafft man es, dieses Team von kreativen Menschen zu managen und zu einer Stimme zu formen?
Gastdirigent zu sein ist wie Speed-Dating - es ist viel im Spiel, und man muss all diese Talente managen und sie in etwas Sinnvolles für die Aufführung verwandeln.
Hatten Sie eine Ausbildung in der menschlichen Komponente des Dirigierens, oder haben Sie das in der Praxis erlernen müssen?
Mei-Ann: Ich musste aus den Möglichkeiten lernen, die sich mir boten. Und wenn man nur so wenig Zeit hat und so viele Noten, wie ist dann das Tempo bei den Proben? Wie liest man den Raum?
Ich habe so sehr von meiner Mentorin Marin Alsop profitiert. Sie hat mir beigebracht, dass ich bei den Proben effizient sein muss, vor allem in britischen und amerikanischen Orchestern. Aber in deutschen und österreichischen Orchestern gibt es mehr Proben, und wenn man schnell spricht, sagen sie: "Warte, wir haben viel mehr Zeit." Und so habe ich versucht, eine Formel zu finden, um unsere jungen Dirigenten auszubilden.
Die Formel ist einfach, aber sie ist schwer zu erreichen. Und wenn man sie hat, muss man sie üben. Es gibt vier Elemente innerhalb eines Rahmens von 10 Wörtern: den Ausgangspunkt, die beteiligten Personen, die musikalische Absicht oder Vorstellung und die technische Hilfe (die sich darauf bezieht, wie man das Musikstück spielt: lauter, leiser, legato usw.).
Es ist interessant, wie man sich in verschiedenen Ländern bewegen muss, obwohl die Kunstform fast dieselbe ist. Sie reagieren immer noch auf deine Gesten auf dem Podium, aber die menschliche Seite ist viel komplexer.
Spüren Sie, wie das Publikum ein Musikstück aufnimmt? Beeinflusst das Ihre Interpretation?
Mei-Ann: Ja. Die Person, die mich dazu inspiriert hat, über das Publikum nachzudenken, ist meine ältere Schwester. Sie hat mich mit allen Arten von Volks-, Pop- und Rockmusik vertraut gemacht, und sie ist mein Kompass, wenn ich etwas von Beethoven, Dvorak oder Tschaikowsky interpretiere.
Ich denke, die meisten unserer Zuhörer sind wie meine Schwester, die nicht in der Analyse von Musik geschult ist. Manchmal sage ich zum Orchester: "Ich weiß, dass ihr diese Musik sehr gut kennt, aber stellt euch vor, jemand hört sie zum ersten Mal. Was wird diese Passage für sie bedeuten?" Und das spornt sie an, sich noch mehr anzustrengen.
Wenn Sie an die talentiertesten Musiker denken, mit denen Sie zusammengearbeitet haben, welche Eigenschaften haben sie alle gemeinsam?
Mei-Ann: Zwei meiner beständigsten Kollegen sind Yo-Yo Ma und Paul Freeman, der Gründer der Chicago Sinfonietta. Paul gab Yo-Yo Ma sein erstes professionelles Engagement, als Yo-Yo noch ein Teenager war. Und Yo-Yo, der größte Cellist der Welt - ich versuche immer, von ihm zu lernen.
Es gibt zwei Kreise. Ein kleiner Kreis ist das, was wir sein wollen, was uns jeden Tag aus dem Bett treibt. Aber es gibt einen größeren Kreis, den ich "künstlerische Vision" nenne. Und Yo-Yos großer Kreis hat die Welt beeinflusst, indem er die Musik nutzte, um die Menschheit zu verbinden.
Ich versuche zu lernen, was meine persönliche Mission ist, indem ich Dirigieren benutze, um mit Menschen in Kontakt zu treten. Aber die größere Mission ist, wie man das nutzen kann, um noch mehr Menschen zu erreichen. Musik ist ein Geschenk für die Gemeinschaft, der wir dienen. Sie ist mehr als nur Noten. Meine Geigenlehrerin würde sagen: "Mei-Ann, du hast alle Noten im Kopf, aber was willst du damit sagen?" Es gibt immer eine größere Mission für das, was wir tun.
Ich habe den Eindruck, dass es viel mehr männliche als weibliche Dirigenten gibt. Wie sehr hat sich das geändert?
Mei-Ann: Dirigieren ist nach wie vor ein von Männern dominiertes Fach, vor allem an der Spitze. Der Anteil der weiblichen Dirigenten beträgt weniger als 12%. Die Zahl der Komponistinnen ist mit weniger als 2% des gesamten Repertoires noch geringer.
Marin Alsop hat viele gläserne Decken durchbrochen und die Karrieren vieler junger Dirigentinnen ins Rollen gebracht. Das ist sehr wichtig, um jungen Frauen zu helfen, ihre eigene Stimme in einem Bereich zu finden, der immer noch von männlichen Dirigenten dominiert wird.
Ich glaube, dass einige von uns das umkehren. Das Freeman Fellowship-Programm, das die Chicago Sinfonietta ins Leben gerufen hat, hat vielen Dirigentinnen, die jetzt in der Welt arbeiten, den Weg geebnet.
Darüber hinaus hat mein Orchester 2019 das Projekt W: Works by Diverse Women Composers aufgenommen. Das erste Stück, "Dances in the Canebrakes", stammt von Florence Price, der ersten afroamerikanischen Frau, deren Werk von einem großen Orchester uraufgeführt wurde, als das Chicago Symphony Orchestra 1933 ihre Sinfonie uraufführte. Es wurde über 1,1 Millionen Mal gespielt, was für ein klassisches Stück sehr hoch ist.
Ich finde es ermutigend, dass alle großen Orchester versucht haben, den Anteil der Dirigentinnen zu erhöhen, und ich hoffe, dass andere Orchester dem Beispiel folgen und sie in ihr Programm aufnehmen. Ich hoffe, dass wir alle gemeinsam diese Entwicklung vorantreiben können, denn es gibt so viele versteckte Perlen.
Sind Sie optimistisch oder pessimistisch, was die Zukunft der klassischen Musik angeht?
Mei-Ann: Ich bin optimistisch, weil sich das gleiche Gespräch über einen langen Zeitraum hinweg wiederholt hat.
Ich habe meine Karriere in einem Jugendorchester begonnen und mit Menschen gearbeitet, die selbst Musik machen. Menschen, die selbst Erfahrungen mit dem Musizieren gemacht haben, werden zu den zukünftigen Konsumenten, also müssen wir die Tradition, die Rolle der Musik bei unseren jungen Menschen frühzeitig zu kultivieren, besser fortsetzen.
Ich vergleiche Musik gerne mit Essen. Wir stellen das Bedürfnis der Menschen nach Nahrung nicht in Frage. Aber bei der Musik ist es dasselbe.
Nehmen Sie dieses Beispiel: Die Israelische Philharmonie trat in der Zeit auf, als der neue Staat Israel gegründet wurde, und Leonard Bernstein dirigierte. "Mitten im Beethoven-Konzert, das ich vom Klavier aus dirigierte, ging eine Fliegeralarm-Sirene los", sagte er nach seiner Rückkehr. "Wir waren am Ende des ersten Satzes angelangt, und das Ding heulte, und ich stand auf und sagte: 'Wer gehen muss, soll jetzt gehen.' Und niemand ging. Und ich setzte mich hin und spielte das, von dem ich dachte, dass es mein Schwanengesang sein würde." Die Menschen hielten durch die Musik zueinander, weil sie das mehr als alles andere brauchten.
Musik hat eine große Kraft. Ich habe die Hoffnung, dass, wenn wir die Musik für alle Generationen pflegen, diese Kunstform gedeihen wird. Es ist nur eine Frage, wie wir sie präsentieren.
Wenn Sie in der Zeit zurückgehen und Ihrem 10-jährigen Ich einen Rat geben könnten, was würden Sie ihr sagen?
Mei-Ann: Ich bin ein Beispiel dafür, dass man einen unmöglichen Traum leben kann. Niemand hätte gedacht, dass ich so weit kommen könnte.
Der Rat, den ich mir selbst geben würde, und denjenigen da draußen, die entweder in der Musik tätig sind oder nicht, ist: Sei du selbst; lass dir von niemandem sagen, dass dein Traum unmöglich ist; bahne dir deinen eigenen Weg; sei mutig und finde deine wahre Stimme, auch wenn die ganze Welt gegen dich zu sein scheint; glaube an dich selbst und finde Engel, die auch an dich glauben; sei beharrlich und leidenschaftlich; und liebe das, was du tust und was du mit der Welt teilen kannst.
Wenn Sie einen Monat ohne klassische Musik auskommen müssten, was würden Sie dann hören?
Mei-Ann: Ich bin sehr aufgeschlossen. Ich höre mir an, was meine Schwester hört, und die Popsongs aus Asien; so bekomme ich ein Gefühl dafür, was gerade angesagt ist. Ich suche auch nach Spotify-Vorschlägen für Dinge, die ich noch nicht kenne, die aber interessant sein könnten.
Zum Beispiel war ich dem Klezmer-Musikgenre nicht wirklich ausgesetzt, bis ich mit Mucca Pazza in Chicago zusammenarbeiten musste. Es hat so viel Spaß gemacht, sich mit der jüdischen Geschichte zu beschäftigen, aber Klezmer-Musik hat auch ihre Wurzeln in der klassischen Musik. Gustav Mahler hat sie in seinen Sinfonien verwendet.
Auch die Gospelmusik war für mich etwas Neues. Bei der Chicago Sinfonietta arbeiten wir mit dem Apostolic Church of God Sanctuary Choir zusammen. Als ich in Taiwan war, hatte ich mit Gospel nichts zu tun, deshalb entdecke ich ständig neue Dinge. Das Modell der Chicago Sinfonietta ist es, immer vom Unmöglichen zu träumen. Ich bin für alles offen.
Bei der BBC gibt es eine Radiosendung namens "Desert Island Discs", in der Gäste gefragt werden, welche acht Musiktitel sie auf eine einsame Insel mitnehmen würden. Welche Musikstücke würden Sie mitnehmen?
Mei-Ann: Ich würde Project W mitnehmen, weil ich mir Florence Price jederzeit anhören könnte. Dasselbe gilt für Jessie Montgomery, die Composer-in-Residence des Chicago Symphony Orchestra ist. Sie ist in New York mit einem Schmelztiegel der Musik aufgewachsen.
Reena Esmail, die als Composer-in-Residence bei der Seattle Symphony tätig war, verbindet ihr musikalisches Erbe aus Indien mit westlichen Instrumenten. Und Clarice Assad, eine brasilianisch-amerikanische Komponistin, die immer wieder Dinge mit ihrem musikalischen Erbe kombiniert.
Ich glaube nicht, dass ich jemals müde werden werde, diese Frauen neben Beethovens "Symphonie Nr. 5" und Tschaikowskys "Symphonie Nr. 5" zu hören, einfach weil diese Stücke mich durch Höhen und Tiefen begleitet haben. Diese Stücke werden für mich nie nur Noten sein. Diese Stücke bedeuteten für mich Leben und Tod. Ich schätze sie sehr.
Ich würde auch Dvorak nennen, der ein Komponist ist, der die Spirituals verwendet, die er in Amerika und in der Neuen Welt gehört hat. Er war in der Lage, die Stimme seines eigenen Landes zu finden und etwas Schönes aus etwas zu machen, das ihm vertraut war. Und doch hat er etwas Neues geschaffen.
